Il dramaturg è una figura piuttosto anomala nel panorama teatrale italiano, direi introdotta in tempi piuttosto recenti e perlopiù volta a indicare chi adatta, scrive o modella il testo durante il periodo di prova. Certo, ci sono stati convegni, riunioni, discussioni per descrivere con esattezza cosa faccia, e perché serva, la figura del dramaturg all’interno di un processo creativo; tuttavia credo si debba prendere in considerazione come, in un contesto almeno europeo, il dramaturg assuma su di sé caratteristiche e responsabilità del tutto differenti da Nazione a Nazione.
In questo incontro vorrei parlare della mia esperienza di dramaturg all’interno di un sistema teatrale diverso dal nostro, quello di lingua tedesca, dove la tradizione di un teatro di drammaturgia ha stabilito già da tempo il ruolo del dramaturg all’interno di ogni produzione. In questo senso, parlare del dramaturg significa provare a raccontare un intero sistema teatrale con caratteristiche totalmente differenti dal nostro, e per questo difficilmente replicabile. Dalla scelta di un cast da proporre al regista o alla regista alla presenza alle prove per verificare la congruità della messa in scena con l’orientamento del teatro, dalla scelta delle foto di scena alla cura dei rapporti col pubblico, il dramaturg di lingua tedesca svolge molteplici funzioni oltre al lavoro sul testo. Quali cambiamenti anche istituzionali comporterebbe la presenza di un dramaturg con queste funzioni all’interno di un teatro italiano? Si può provare a proporre un’idea di dramaturg, diciamo così, “all’italiana”, che tenga conto del contesto di un teatro di giro e non di repertorio, senza un ensemble fissa d’attori, tecnici e altri drammaturghi e drammaturghe a cui fare costantemente riferimento?

Cosa vuol dire drammaturgia? Quante forme può attraversare? Quanti abiti può indossare un drammaturgo? Questo percorso di ricerca vuole esplorare quella parte di possibilità di scrittura che partendo da una forma narrativa arriva alla scena. Prendendo come spunto un racconto breve, o un breve estratto da un romanzo, sperimenteremo le possibilità di tradurre “la pagina” in azione. Adattamento: ovvero rendere adatta una cosa ad un’altra.
Il lavoro sarà articolato in varie fasi che prevedono: analisi del testo, scomposizione, estrazione in forma di dialogo, setaccio e scelta dei possibili punti di svolta ed eventuale ricomposizione. L’analisi dei personaggi coinvolti nel brano scelto, può portare alla creazione di personaggi imprevisti, inventati, frutto della scelta di ogni autore, e funzionali alla veicolazione della sua idea. Parallelamente a questo, si ragionerà su musica del testo, lingua come strumento di azione, ritmo, punteggiatura. L’approccio prevede l’impiego di esercizi e giochi di scrittura, rielaborazione, studio del confine tra fedeltà e tradimento, con lo scopo di permettere da un lato l’indagine e dall’altro la produzione di nuovo materiale che possa smuovere la materia di partenza, e diventare a sua volta fonte di ispirazione.

Ogni epoca riscrive i propri miti per interrogare se stessa, per potersi riconoscere o negare. Il mito, in quanto linguaggio primario del teatro, non muore mai, continua a rinnovarsi, cambiando pelle, mutando forma e significato, contaminandosi, metamorfizzandosi, solcando la Storia e le sue contraddizioni.
In questa Master Class esploreremo come la drammaturgia contemporanea possa appropriarsi, decifrare, ricombinare i miti antichi – greci, biblici, popolari o mediatici – non per ripeterli, ma per scorticarli e restituirli, nudi e vibranti, come dispositivo di conoscenza del Presente.
Il lavoro si concentrerà sulla riscrittura come atto di dissezione poetica e politica: un corpo-testuale che viene aperto per rivelare ciò che ancora pulsa al suo interno. Analizzeremo la funzione del mito come linguaggio originario del teatro, ma anche come strumento di tessitura, matrice di conflitto, deposito di memorie, per poi affrontarne la destrutturazione. Mediante esempi tratti dall’antichità classica fino ad Oggi – da Sofocle a Ovidio, da Pasolini a Müller, da Sarah Kane a Christa Wolf, Elfriede Jelinek e da materiali provenienti dal mio stesso percorso autoriale – indagheremo il mito come campo di tensione, rete di simboli primordiali, tra identità, desiderio e ferita, tra parola e carne.
I partecipanti al laboratorio saranno invitati a un esercizio pratico: scegliere un mito e riscriverlo come gesto di esplorazione individuale, invenzione e trascrizione immaginativa, a partire da una frattura, un’urgenza o un ricordo per spogliarlo, interrogarlo fino a farlo esplodere, cercando in quella deflagrazione una nuova architettura di verità teatrale, una trasfigurazione drammaturgica che riporti alla luce ciò che ancora fermenta nel racconto originario.
Un percorso di riflessione sulla scrittura come autopsia, trasmutazione e rinascenza, dove il mito smonta gli archetipi, si spoglia della propria sacralità, si reincarna, e il testo diventa materia viva, capace di parlare del nostro tempo e di noi, innestando la lingua spezzata e necessaria del teatro.

La drammaturgia della luce tra storia, progetto e pratica teatrale.
Il seminario prende le mosse dal celebre manifesto di Enrico Prampolini, “Dalla scena illuminata alla scena illuminante”, per rispondere alla necessità di comprendere come l’affermazione della regia e l’avvento dell’elettricità abbiano storicamente permesso di superare la funzione naturalistica della luce, elevandola a elemento attivo e autonomo. Partendo dalla distinzione critica di George Izenour tra stage illumination (condizione statica) e stage lighting (qualità dinamica e artistica), il percorso mira a definire l’illuminotecnica come un vero e proprio “agire concreto”, parte integrante della molteplicità scenica.
Il seminario è strutturato in tre giorni intensivi, con una progressione dalla teoria critica all’applicazione pratica del progetto di luce.

Giorno 1: Il Linguaggio
Il primo giorno stabilisce il quadro concettuale e storico. Si analizza il salto ideologico della luce nel secolo scorso, dalle intuizioni delle avanguardie storiche alla mera correlazione naturalistica, fino a diventare elemento fondante della scena. Verranno discussi i contributi critici che hanno legittimato l’autonomia artistica della luce, inquadrandola nel contesto dell’era registica e delle nuove esigenze drammaturgiche.

Giorno 2: Il Progetto
Il secondo giorno è dedicato alla traduzione del testo in progetto luminoso, fornendo gli strumenti per associare le intenzioni registiche a scelte tecniche specifiche.
Giorno 3: Il Montaggio
Il giorno finale è dedicato alla pratica e alla verifica sul campo. Dopo una panoramica delle tecnologie attuali, l’attenzione si sposterà sulle operazioni di montaggio, cablaggio e, in particolare, sul puntamento dei fari. Verrà inoltre introdotta la programmazione delle cue luminose in console.

Essere sulla scena è già essere nella scrittura.
Tutto quello che accade in scena è già scrittura scenica, è già drammaturgia.
Attorno a questi principi continuo a sviluppare la mia ricerca teatrale, quella di una scrittura che venga generata dall’attore, dalla relazione con l’altro e dalla relazione con lo spazio e il tempo della scena.
Il processo di scrittura scenica collettiva parte sempre da una domanda, da un tema o da una immagine che sento debbano essere tradotti in azione scenica così da diventare lo scheletro della nuova creazione. Una volta chiarito l’ambito della ricerca e le domande che la generano inizia una prima fase di ricerca di materiali (letterari, drammaturgici, fotografici, musicali…) che possano fornire spunti, illuminare percorsi, suggerire griglie drammatiche e dipingere immagini da esplorare. In seguito si individuano temi e situazioni sui quali improvvisare: l’obiettivo è quello di produrre materiali drammaturgici da inserire in una prima struttura di singoli quadri e, contemporaneamente, elaborare materiali da usare come suggestioni e mondi sommersi che potranno essere rilavorati, in futuro, durante altri step di lavoro.
Nel modulo lavoreremo a partire da questi principi: dallo studio di improvvisazioni a due e dallo studio di improvvisazioni più complesse che prevedono la partecipazione dell’intero gruppo con l’obiettivo di costruire griglie drammaturgiche, solide basi per la costruzione di drammaturgie sceniche.
Il lavoro partirà dalla scomoda posizione dello stare nel vuoto, essere e percepirsi nel vuoto per poi iniziare ad agire, attendere il momento in cui qualcosa di interessante può manifestarsi. Partirà dalla fiducia nella relazione con l’altro e la capacità di reagire all’altro, intendendo per altro tutto ciò che è altro: un altro individuo, lo spazio, il tempo, la musica, un oggetto, una porzione di testo, il rumore di una macchina che passa, la luce che filtra, lo sciacquone, il buio che a un certo punto arriva sempre.

Il laboratorio, condotto dal M° Francesco Leineri, si rivolge ad artisti U35 inclini alla ricerca drammaturgica che desiderino esplorare i suoni e la loro organizzazione come elemento strutturale della drammaturgia, dentro e fuori la scena. In tre giornate di lavoro intensivo, partendo dal catalogo del compositore, teoria e pratica si intrecceranno in un percorso che si interrogherà su questioni di ascolto, percezione e creazione musicale, indagando il suono come materia pulsante, come racconto del reale o dell’iper-reale. Scopo dei tre giorni sarà individuare i punti di contatto fra scrittura musicale e testuale, intesa come parola, ma anche come storia da raccontare.
Il primo giorno sarà dedicato esclusivamente a questioni di ascolto reciproco, percezione acustica e vocalità, partendo esclusivamente dal nostro corpo. Esplorando la tessitura delle nostre voci indagheremo successivamente l’orizzontalità e la verticalità dei suoni, tra melodia e armonia; i concetti di tensione e distensione armonica; ma anche questioni legate alla dinamica e all’agogica, entrando nelle problematiche di scrittura legate allo scorrere del tempo e dunque alla sua organizzazione in ritmo. Accennando le questioni di interdipendenza fra testo e musica, ci confronteremo con esempi e riferimenti legati alla vocalità tout-court: attraverseremo alcune questioni presentateci dalla forma-canzone, dal teatro d’opera e dalla sua drammaturgia, intesa come possibile luogo di ibridazione dei linguaggi del presente; dalle esperienze artistiche vocali delle performer più trasversali, dalle avanguardie del ‘900 ad oggi.
Il secondo giorno sarà dedicato al soundscape, alla musica elettronica e alla più generale presenza di un suono pre-registrato nello spazio, nel suo rapporto con la scena. Verranno condivise esperienze personali legate alla sintesi del suono, alla microfonazione, alla spazializzazione audio tramite brevi esperimenti pratici; interrogandosi su come il suono provenga, si muova e trasformi la percezione dello spazio scenico, indagandone una sua visione totale legata alla storia che si vuol raccontare in essa.
Il terzo giorno sarà infine dedicato alle questioni di pratica artistica collettiva e alla sperimentazione in contesti community specific o site specific. Confrontandoci con l’esperienza nazionale ed internazionale di enti che lavorano nello spazio urbano o a contatto diretto con le comunità proveremo a lavorare su piccole drammaturgie visive e sonore legate ad uno spazio urbano a nostra scelta, sviluppando materiali autonomi e condivisi, in una prospettiva che parta da ciò che è di più lontano dalla musica, provando ad essere capaci di farla emergere da contesti del reale in cui una scena musicale possa prendere vita.
L’obiettivo conclusivo sarà dunque comprendere come il suono possa farsi drammaturgia e viceversa, di come la musica possa abitare lo spazio come struttura invisibile, e perché no, anche e soprattutto relazionale, politica.
Il workshop intende offrire ai partecipanti strumenti concettuali per sviluppare un ascolto attivo e consapevole, ma anche pratici di competenza nella relazione professionale con compositori e musicisti tutti, imparando a riconoscere la musica non come ornamento ma come presenza scenica, ma potenziamento della tensione drammatica e della scrittura. Al termine delle tre giornate, il suono sarà diventato non soltanto oggetto di analisi, ma materia viva, linguaggio condiviso, corpo della scena stessa.

Nel contesto della nuova drammaturgia contemporanea, la figura dell’autore/autrice teatrale non si limita più soltanto alla scrittura: è sempre più richiesta una capacità di orientarsi anche sul piano della promozione del proprio lavoro, della costruzione di reti, della presenza nei contesti professionali e della circolazione dei testi. Il laboratorio proposto da Theatron 2.0 / Omissis intende rispondere a queste esigenze, mettendo al centro non solo la qualità della scrittura ma anche la condizione professionalee la visibilità degli autori e delle autrici.
Omissis – Osservatorio Drammaturgico è promosso da Theatron 2.0 con l’obiettivo di indagare la funzione artistica e sociale della drammaturgia nel contesto contemporaneo, promuovendo la formazione e la professionalizzazione di autrici e autori. Attraverso il lavoro di ricerca, le attività di osservazione e i percorsi di accompagnamento realizzati negli ultimi anni, Omissis ha avuto modo di intercettare da vicino le esigenze – spesso taciute – della comunità drammaturgica: la necessità di tutelare tempi e modalità di lavoro, di acquisire strumenti di promozione e valorizzazione del proprio operato, di costruire relazioni solide con festival, teatri, editori e piattaforme digitali. Da questa esperienza nasce la proposta di un laboratorio che, a partire da questi bisogni concreti, intende offrire un percorso pratico e orientato, capace di rispondere alle urgenze reali della scrittura per la scena oggi.
Il laboratorio mira a fornire ai partecipanti una serie di strumenti utili per orientarsi nel panorama professionale della drammaturgia contemporanea. Al termine del percorso, drammaturghi e drammaturghe avranno acquisito una maggiore consapevolezza della propria posizione all’interno del sistema teatrale, imparando a riconoscere obiettivi, criticità e opportunità del mestiere. Saranno guidati nella costruzione di un progetto di visibilità coerente e sostenibile, capace di valorizzare il proprio lavoro attraverso strategie mirate – dalla presentazione dei testi alle collaborazioni, fino alla gestione della propria presenza su piattaforme digitali e reti professionali. Il laboratorio offrirà inoltre strumenti pratici per la promozione personale, come la redazione di una biografia professionale, la creazione di materiali di presentazione efficaci e la cura della comunicazione verso teatri, festival ed editori. Parallelamente, i partecipanti approfondiranno la conoscenza delle dinamiche che regolano i circuiti della drammaturgia contemporanea in Italia – bandi, premi, osservatori e piattaforme – per imparare a inserirvisi con un approccio proattivo. Infine, il percorso favorirà la costruzione di una rete di pari, uno spazio di confronto e sostegno reciproco tra autrici e autori che condividono la stessa necessità di affermare e far circolare la propria voce.